검토: Aicon Gallery는 병렬 전시회에서 다채로운 Victor Ekpuk 및 Natvar Bhavsar의 안료를 제공합니다.

색상은 나이지리아계 미국인 예술가에게 영감을 주는 다성 언어입니다. 빅터 엑푹 (b.1964) 및 인도계 미국인 나트바르 바브사르 (b.1934) 병렬 쇼에서 새로운 지리를 그리기 위해 표현력이 풍부하고 채도가 높은 팔레트의 광활함을 탐색합니다. 아이콘 갤러리 .

3년 후 첫 개인전 , Ekpuk은 ' 나는 나의 조상의 에센스 ' 2014년부터 2022년까지 회화와 강철 조각품을 선보이며 가정, 뿌리 뽑힌 것, 재해석된 전통에 대한 개념을 재조명합니다. 가짜 순진한 대담한 스트로크를 통해 Ekpuk은 지배적인 기본 색상에 몸과 목소리를 부여합니다. 그들은 포효한다. 도전; 방해합니다. Ekpuk은 대서양 노예 무역과 함께 아이티와 쿠바를 여행한 나이지리아 남부 및 남동부의 전통적인 픽토그램 기호인 nsibidi를 민감하면서도 그래픽적인 방식으로 재해석합니다.

그러한 상징은 예를 들어 그림에서 인물의 마음 위에 떠 있습니다. 대모 2 (2021) 및 헤드 투 헤드 2 (2022), 그리고 조각 이비비오 걸 (2022), 내면의 생각의 번역 불가능성을 전달합니다. ~ 안에 신탁 (2014-2022), nsibidi에서 영감을 받은 파란색 모양이 전체 캔버스를 감쌉니다. 그들의 총체성은 그들의 불가분의 특징을 확고히 합니다. 유사 대칭적이고 질감이 있는 캐릭터는 완전히 과거도 현재도 아닌 이 광대한 집단 무의식과 혼합됩니다. 그들의 얼굴은 전지전능한 눈으로 상징됩니다. 마음은 주로 관찰합니다. 그 기능은 보이는 것과 숨겨진 것을 모두 보는 것입니다.

처방전 없이 마약에 집중하다

아프리카의 뿌리부터 더 가까운 풍경까지, 이 미국인 (2022)는 오늘날 미국 사회에서 흑인의 물리적 특성을 포착하려는 인상적인 시도입니다. 그림은 이전 스케치를 기반으로 한 다음 국가 원수 (2011). 날카롭고 생생한 선은 분열, 대립, 경계를 암시합니다. 내부와 외부, 자아와 타인이 있습니다. Ekpuk의 작품에서 반복적으로 나타나는 토템 같은 캐릭터는 우뚝 솟아 있습니다. 그들의 머리카락은 모호한 경계의 윤곽을 형성합니다. 이 간극에서 다른 사람에게 최고조에 달하거나 외부 공격으로부터 보호할 수 있습니다. 여기서 nsibidi 모양은 지워지지 않는 패턴과 질감을 더합니다.

“내 작품을 글자 그대로 읽으려고 애쓸 필요는 없고, 마크 하나하나에서 의미를 찾는 부담 없이 예술을 느낄 수 있도록 하는 게 더 중요하다.” 인터뷰에서 Ekpuk이 말했습니다. Art Breath와 함께 그는 예술과 글쓰기에서 파생된 개인 어휘에 대해 설명합니다. 현재 DC에 거주하고 있는 Smithsonian Institution 펠로우인 Ekpuk의 작품은 요하네스버그 비엔날레(1995), 다카르 비엔날레(2014), 아랍 세계 연구소 (2017) 다른 유명한 장소 및 컬렉션 중에서.

콜라주에 아크릴을 통해 Ekpuk의 종이 기반 예술은 여성성과 그 신성한 속성을 기념합니다. 패브릭과 더 많은 nsibidi labyrinthine 마크가 조상의 실루엣을 정의하여 베냉 브론즈 그리고 불법적으로 획득한 다른 토착 유물은 집이나 지역 사회에서 진정으로 속해 있는 것과는 거리가 먼 음탕한 수의 컬렉션에 남아 있습니다. 의 자신감과 도전 라이베리아 소녀 (2022)의 우울한 시선과 대조된다. 일요일 드레스를 입은 여인 (2022) 두 이미지 모두 손실 정도가 있습니다. 전자에서 토템의 채워지지 않은 빨간색 윤곽은 고통스러운 기억처럼 떠돌아다니는 반면, 후자는 구불구불한 생각의 구름을 따라가며 화창한 날에 그림자를 드리웁니다.

이러한 작업에서 Ekpuk은 초상화 코드와 선동적인 다채로운 아이콘을 사용하여 식민지 유산과 단순화된 미학을 비난합니다. 정신적 토양과 문화적 고향의 화신인 토템은 천상의 갈망과 땅과 영토에 대한 확고한 인식을 포착하고자 하는 유동적인 정체성의 필수적인 증인입니다. 색은 지각하는 수단이며 그러한 현상학적 경험은 Natvar Bhavsar의 작품에서 유례가 없습니다.

' 3부: 1987년부터 2005년까지의 작품 '는 연재된 회고전의 세 번째 편을 구성합니다. 14점의 그림이 포함된 이 최신 쇼에서 Bhavsar는 그가 춤, 친밀감, 비유적 요소가 제거된 안료의 움직임으로 변하는 언어의 무한한 색상을 사용합니다. 이를 통해 그는 시각적 강렬함의 힘을 미니멀하면서도 강력한 용어로 드러낸다.

운동 전 보충제 상위 5개

인도 태생의 Bhavsar는 예술가들이 갤러리와 같은 동네에 살았던 1962년에 뉴욕으로 이사했으며 소호 환경에는 Mark Rothko 및 Barnett Newman과 같은 친숙한 프로필이 포함되었습니다. Bhavsar가 인도 직물과 염료의 색상과 Holi 축제의 가루를 기억하는 것은 추상적입니다. 색은 기억의 변덕, 마음의 회절, 그리고 해방의 잠재력을 위한 피난처입니다.

Bhavsar는 마음을 탐구하고 세상에서 자신의 위치를 ​​찾는 긴장을 집합적으로 포용하는 세 가지 작품을 선보입니다. 이 이중성은 차가운 색에서 따뜻한 색까지 점진적으로 탐구하는 것으로 보여지며, 대부분은 다음과 같은 조밀한 안료 코어를 포함합니다. 바수 II (1997) 및 바수 III (1997). 이러한 물보라, 퍼프 및 오점은 측정할 수 없는 우주 공간의 경계로, 분자 형태에도 적용되는 가단성 규모입니다. 무한히 크든 축소할 수 없을 정도로 작든, 우리의 마음은 이 색소가 증가시키는 다양한 회절과 편각을 헤매고 있습니다.

강렬하게 채도가 높은 색상에서 다음과 같은 그림 만자리 2세 (1996) 및 베르가 (1973-2004) 더 차분하고 미묘한 색조를 가져옵니다. 그들과 함께 우리는 잠시 멈추고 면화 같은 에덴틱한 풍경 속에서 아주 부드럽게 시간이 멈춥니다. 가트 III (2001)은 회색이 노란색 색조의 채도를 낮추면서 더 복잡하고 문제가 있습니다.

cb가 불안을 ​​도울 수 있습니까?

Bhavsar는 일반적으로 파란색, 빨간색, 보라색 등을 번갈아 가며 단계 또는 주기로 페인트합니다. 50년이 넘는 경력에서 그가 접근하지 않은 색은 없습니다. 와 같은 최근 작품들 바드라아 III (2005) 및 안드레 (2005), Ekpuk의 nsibidi 또는 라시드 코라이치' s 신비로운 문자주의.

이 그림들이 불러일으키는 감각적 감정을 말로 표현하기는 어렵습니다. Bhavsar는 일부는 마술사, 일부는 음악가이며 그의 작품을 통해 스며드는 노련한 재능은 명백한 단순함을 쥐고 있습니다. Ekpuk이 본능적인 사랑과 폭력을 전달하는 곳에서 Bhavsar의 확산된 빛은 더 관대하지만 덜 심오해 보입니다.

Bhavsar는 어둠과 그림자를 프리즘적 동료에게 필요한 변종이자 대담자로 이해하며, 페인트를 단순한 물질이나 매체 이상으로 전유하는 주관성입니다. Bhavsar는 1960년대 서부 해안의 빛과 공간 운동보다 훨씬 더 유기적인 방식으로 소멸과 망상, 순간의 연기, 인간의 고도 변화를 묘사합니다. Pace에서 James Turrell이 큐레이팅한 Color Out of Darkness” 지난 봄. 그의 작품이 일부인 반면 인상적인 숫자 기관 및 개인 소장품에 대한 그의 공헌은 종종 과소 평가되었습니다.

“색깔은 나를 사로잡는다. 나는 그것을 추구 할 필요가 없습니다. 그것은 항상 나를 추구할 것입니다. 알고 있습니다.” Paul Klee는 1914년 동료 예술가 August Macke 및 Louis Moilliet와 함께 튀니지를 기억할 만한 2주 동안 여행하는 동안 일기에 썼습니다. “색깔과 나는 하나입니다. 나는 화가입니다.”라고 Klee는 같은 날 덧붙였습니다.

색상 주변에 너무 많은 것들이 애매하고 비물질적이며 신성하게 남아 있습니다. 광도는 아우라, 에너지, 중독성 자극 및 순수한 삶입니다. 변위와 감정에 전념하는 Ekpuk과 Bhavsar의 쇼에서 우리는 뛰는 심장, 꿈의 잔상, 잔상, 다른 곳의 흔들리지 않는 소리를 컬러로 봅니다.

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