Vincent van Gogh 역의 Willem Dafoe 영원의 문에서 .CBS 영화 역사상 가장 유명한 화가는 아무도 죽기 전에 정신 병원에 갇혀 마지막 날을 보냈습니다. 현재 전 세계 유명 박물관의 홀을 장식하고있는 그의 그림은 한때 그의 감방 벽을 장식했습니다.
이렇게 강력한 소스 자료로 인해 Julian Schnabel의 새 영화가 영원의 문에서 , Vincent van Gogh의 놀라운 이야기를 또 하나의 부진한 전기 화로 바꾸어 놓았습니다.
지나치게 드라마틱하고, 압도적이며, 심지어 지루하기도하지만 이것은 전형적인 전기 사진을 설명하는 단어 중 일부에 불과합니다. 장르의 주요 문제점과 함정을 살펴보면 영화 제작자가 비범함을 평범한 것으로 줄이는 방법을 이해하게됩니다.
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Biopics는 오해받는 천재적 인물을 중심으로 돌아가는 경향이 있으며, 독특한 능력으로 인해 사회와 충돌합니다. 종종 그들은이 사람들의 머릿속에 들어가서 그들이 찌르는 이유를 알아 내서 조연을 잊어 버립니다. 그리고 모든 스포트라이트가 한 사람에게 설정되면 영원의 문 , 나머지 세계는 어둠 속에 남아 있습니다.
그러나 Willem Dafoe의 반 고흐 묘사는 연장 된 경력의 또 다른 하이라이트입니다. 일부는 63 세의 배우가 37 세의 Vincent를 연기하기에는 너무 늙었을지 모른다고 걱정했지만 실제로 그의 나이는 그가 자신의 나이를 넘어 현명한 사람을 묘사하는 데 도움이되었습니다. Dafoe가이 수수께끼 같은 캐릭터의 깊숙한 곳으로의 탐험은 성공했습니다. 비록 그가 바닥까지 내려 가지 않았더라도 성공했습니다.
Dafoe의 연기로 더 빛나고 Schnabel의 대본에 의해 뒷받침되는 다른 캐릭터도 마찬가지입니다. 가장 중요한 두 사람인 Vincent의 형제 인 Theo (루퍼트 프렌드)와 동료 아티스트 Paul Gauguin (Oscar Isaac)도 실제 사람보다 플롯 포인트에 더 가깝고 화가와의 상호 작용이 현실적보다 편리합니다.
한 사람이 영화 전체를 가지고 다닐 수는 없습니다. 이 사실을 인식 한 한 전기는 아마데우스 , 전설적인 작곡가 모차르트의 이야기를 들려줍니다. 뿐만 아니라 아마데우스 크고 잘 발달 된 캐스트가 있고 시나리오 작가 인 Peter Shaffer도 대본에 관해서 귀중한 통찰력을 가졌습니다. 평범한 사람들이 모차르트와 같은 변칙의 머리 속에 진정으로 들어가는 것이 불가능하다는 것을 깨달은 그는 천재의 타고난 재능으로 수십 년간의 노력을 무가치하게 만든 라이벌 인 살리에리의 관점에서 이야기하기로 결정했습니다.
Theo와 Gaugin은 제쳐두고 다른 캐릭터는 영원의 문 빈센트의 그림처럼 갑자기 갑자기 나타나 듯이 빈센트의 삶에 무작위로 그리고 예고없이 튀어 나오는 인상을 덜 남깁니다. 영화는 어떤 설명도 제공하지 않기 때문에 그들이 누구인지 알 수있는 유일한 방법은 위키피디아에 접속하는 것입니다. 더군다나 플롯에 어떤 영향도주지 않기 때문에 플롯 포인트라고 부를 수도 없습니다. 사실, 그들은 마치 아이들이 Marvel 영화에서 참조를 잡을 때하는 것처럼 청중의 속물들에게 이웃을 찌를 기회를주는 것 외에 다른 목적이없는 카메오 일뿐입니다.
Biopics는 영화 제작자에게 삶 자체를 이해하는 벅찬 과제를 제시합니다. 하지만 생각해 보면 모든 영화가 시도하는 일입니다. 다른 영화와 같은 방식으로 바이오 픽을 판단하면 얼마나 잘못 쓰여 졌는지 알 수 있습니다. 대부분의 경우 플롯은 거의 서로 연결되지 않는 독립적 인 이벤트의 모음입니다.
같은 바이오 픽 영원의 문 반 고흐에 대한 모든 것을 아는 사람들과 그 사람에 대해 들어 본 적이없는 사람들에게 똑같이 즐겁고 이해할 수 있어야합니다. 이 권리를 얻은 한 영화는 소셜 네트워크 . Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg)와 그의 조연은 Aaron Sorkin의 영리하고 다층적인 대화를 통해 철저히 탐구됩니다. 사업가가 아닌 화가에 관한 영화로서 영원의 문 자연스럽게 말에 많이 의존하지 않지만 시각적으로도 소통 부족을 메울 수 없습니다.
주제에 생명을 불어 넣으려면 좋은 전기 작품이 단순히 적응할뿐만 아니라 해석해야합니다. 그리고 해석하기 위해 영화 제작자는 창의적인 자유를 가져야합니다. 그러나 그들은 영화의 메시지를 희석시키는 것이 아니라 강조하고 명료하게 만드는 방식으로 현실의 구조를 비틀어 야한다.
영원의 문 몇 가지 창의적인 자유가 필요하지만 모두가 똑같이 잘되는 것은 아닙니다. Schnabel이 반 고흐의 내부 갈등을 표현하기 위해 선택한 영리한 방법 중 하나는 시각적 언어를 사용하는 것입니다. 아티스트 자신의 작업과 유사한 색상 팔레트를 사용하여 불길하고 밀실 공포증에 빠진 동맹국에서 프랑스 시골의 생동감 있고 생생한 풍경으로 흔들리는 것입니다.
Schnabel이 화가의 머리 속으로 들어 가려고 시도하는 덜 영리한 또 다른 방법은 van Gogh-vision에서 영화의 좋은 부분을 촬영하는 것입니다. 기본적으로 1 인칭 카메라이고 너무 흔들려서 Michael Bay가 구역질을 낼 수도 있습니다. 화면의 일부도 흐릿 해져 빈센트의 잠식하는 광기를 상징하는 것으로 보인다. 대체로이 기술은 심오한 것보다 더 성가시다. 훨씬 더 예술적인 대안은 작년에 발견 될 수 있습니다. 사랑하는 빈센트 , 화가의 죽음에 대한 애니메이션 영화는 전적으로 그의 예술적 스타일의 모방 버전으로 제작되었습니다.
영화를 돌이켜 보면 평온하고 행복한 빈센트가 마지막으로 한 말을 떠 올릴 수 있습니다. 저는 영원과의 관계를 생각합니다. 화가는 자신을 위해 준비된 잔인한 운명을 받아들이고, 항상 가지고있는 자연의 영원한 아름다움 속에서 안심할 수 있습니다. 이 아름다움이 그가 떠난 후에도 오래 살아남는 것처럼 그가 그림에서 포착 한 아름다움도 마찬가지입니다. 아직 영원의 문에서 , 같은 스타일링의 희생양이되는 장르의 생명이없는 바이오 픽은 그렇지 않을 수도 있습니다.
